Антикварная площадка онлайн

Самые известные картины Марка Шагала с названиями

Самые популярные картины Марка Шагала с названиями
Самые дорогие картины Шагала

Искусство Марка Шагала многие не принимали, считали слишком непонятным и не заслуживающим места среди живописи понятной. Художник пошел против своей семьи, спасался от преследования нацистами, но не перестал творить в своем уникальном стиле. И именно эта неповторимость, это следование своим ценностям обеспечило ему большую славу. Сегодня о картинах Шагала рассказывают экскурсоводы музеев, его полота уходят за многомиллионные суммы с крупных аукционов, а идеи продолжают жить в живописи новых поколений художников.

Самые популярные картины Марка Шагала с названиями

Триптих: «Прогулка», «Над городом» и «Двойной портрет»

К числу наиболее известных картин Марка Шагала относятся работы «Прогулка» и «Над городом», образующие вместе с полотном «Двойной портрет» триптих. Эту серию художник посвятил жене Белле, которая до конца его долгой жизни была для него музой и любимой женщиной. На всех трех картинах мастер метафорично изобразил себя и Беллу, их чистую любовь и те прекрасные ощущения, которые переживают влюбленные.

Так, на первой картине «Двойной портрет» счастливый художник восседает на плечах своей возлюбленной, а над ними парит ангел, символизирующий их дочь. Может вызвать недоумение тот факт, что на холсте мужчина сидит на плечах хрупкой женщины. Но такой поворот сюжетной линии автор выбрал неслучайно. Картина была написана в тяжелый 1917 год, когда страну поглотили революционные бои, когда привычный уклад был нарушен и впереди была неизвестность. Но даже в это непростое время сильная женщина сохранила их семейный оплот, даже в такой ситуации они способны возвыситься над тяготами жизни и сохранить свою любовь.

М. Шагал. «Двойной портрет с бокалом вина». 1917-1918 гг.
М. Шагал. «Двойной портрет с бокалом вина». 1917-1918 гг.

Эксперты полагают, что образ женщины с мужчиной на плечах Шагал мог позаимствовать из немецкой или голландской живописи на тему женщин Вайнсберга. В ней отражена легенда о том, как во время осады император разрешил женщинам покинуть крепость и взять с собой самое дорогое. Но женщины не выносили золота или других ценных вещей, а понесли на плечах своих мужей, сыновей и братьев. По другой версии, таким способом художник отдал дань еврейской женщине, которая более вынослива и занимает доминирующую роль в их обществе. В картине «Двойной портрет» зритель может остро почувствовать необходимость в этой выносливости, когда в виде оранжевых всполохов на семейную пару надвигаются опасности. Но любовь сохраняет для них светлый мир, ощущения мира и гармонии, что мы видим на картине в виде светлой части неба, отделенной от желтой телами самих влюбленных.

Г. Блекер. «Женщины Вайнсберга». 1624 г.
Г. Блекер. «Женщины Вайнсберга». 1624 г.

Вторая картина триптиха называется «Прогулка». В ней зритель может уже не только увидеть, но и пережить радость полета вместе с влюбленной Беллой, которая счастливо парит над землей.

М. Шагал. «Прогулка». 1917-1918 гг.
М. Шагал. «Прогулка». 1917-1918 гг.

Если мы сравним картины «Двойной портрет» и «Прогулка», то заметим в них схожую часть — там и там земля изображена темно-зеленым цветом. Такое решение как бы противопоставляет земное начало, земные тяготы и заботы светлым чувствам, любви и беззаботности, изображенной в виде воздушных облаков и светлого неба. Марк все еще погружен в земные дела, но совсем скоро он отвлечется от тягот жизни и вместе с Беллой полетит ввысь, уносимый самыми прекрасными чувствами.

izshag-4.jpg

Третья картина триптиха называется «Над городом». В этой работе значительное внимание уделено уже не только их отношениям с женой, но и любимому городу Витебску. Если мы вернемся к двум другим полотнам, то найдем в них те же очертания города с изображением церкви, лошадей. Однако на предыдущих работах изображение более символично и используется в том числе для создания контраста между земным и духовным. Здесь же мы видим более тщательную прорисовку каждого домика, лестницы, забора, построек, козла в огороде и даже человека, который присел под забором по нужде. В этом смысле Шагал не был скован условностями и изображал жизнь так, как ее видел.

Именно изучение всех трех картин триптиха позволяет глубоко почувствовать замысел художника и его переживания. Однако многие не знают о существовании триптиха, так как в настоящее время картины хранятся в разных музеях.

Картины «Скрипач» и «Зеленый скрипач»

Тема скрипки звучит во многих работах Марка Шагала. И это вполне объяснимо, если учитывать его еврейское происхождение. Для еврейского народа скрипка — это особый инструмент, который они слышали с детства. Скрипачей приглашали при рождении детей, они играли на свадьбах или похоронах, ведь звуки скрипки способны наполнить людей самыми яркими эмоциями от печали до безудержной радости.

В картине «Скрипач» сплелись воедино и времена года, и события, и цвета. Так, мы видим, что на переднем плане желтизна осени постепенно сменяется зеленью лета и весны и уступает место холодной зиме на дальнем плане. Вокруг скрипача бурлит жизнь: здесь и дома с дымящими трубами, и церкви, и парящие люди… И в этом круговороте жизни скрипач сам становится музыкой, что выражается яркими цветами в его образе. По словам самого Шагала, «цвет волнует душу не меньше, чем музыка».

Многих интересовало, почему же скрипач стоит на крыше. В 1912 году Шагал ответил корреспонденту Луначарскому на этот вопрос, что его дядя-скрипач часто забирался на крышу, чтобы его там не беспокоили.

М. Шагал. «Скрипач». 1912-1913 гг.
М. Шагал. «Скрипач». 1912-1913 гг.

Любопытно, что работа «Скрипач» была выполнена на скатерти. Однако с учетом условий жизни Шагала ничего странного в этом нет. Бедный художник не имел денег на покупку дорогих холстов и был рад всему, что удавалось раздобыть на блошиных рынках. Когда не было даже этого, живописец воплощал свои художественные идеи на всем, что хоть немного подходило в качестве холста. Это могла быть скатерть, рубашка или простыня с кровати. Эту особенность его картин эксперты обнаружили, когда проанализировали большую коллекцию его работ. Другая особенность скрыта и в используемых красках. Не имея возможности приобрести дорогие краски, художник нередко ограничивал палитру картины тем, что было под рукой, а черный вынужден был получать смешением других цветов, из-за чего цвет не был чистым.

Картина «Зеленый скрипач» написана намного позже работы «Скрипач», но сохранила схожий сюжет, особенные художественные приемы Шагала и контрастность цветов. Здесь все так же изображена простая жизнь, чувство полета и яркий образ самого музыканта. Интересно, что особая цветопись художника была символичной и во многом соответствовала канонам иконописи. Так, зеленый цвет был одним из любимых цветов Шагала и символизировал надежду на постоянное обновление, саму жизнь и Святой Дух. Поэтому так часто на картинах художника именно в этом цвете перед нами предстает не только растительность, но дома, люди и животные.

М. Шагал. «Зеленый скрипач». 1923-1924 гг.
М. Шагал. «Зеленый скрипач». 1923-1924 гг.

Картина «Я и деревня»

В 1911 году Шагал уехал учиться в Париж и вначале мечтал только о возвращении домой, пока не был заворожен работами других художников в Лувре. Бродя по многочисленным залам с картинами, Шагал начал понимать, почему его искусство так не понимают и не принимают на родине. Знакомясь с западным искусством, художник все чаще размышлял о том, что русское искусство скудеет и нуждается в капитальном преобразовании.

Именно в этот год он пишет одну из самых своих известных работ «Я и деревня». В ней наиболее полно отразилось мироощущение живописца, понимание родной деревни (сельской местности близ Витебска), его свобода в плане построения композиции и использования самых разных стилей. В центре полотна изображен круг, символизирующий круговорот жизни, и в этот круговорот затянуто все. Здесь и человек, дарующий ветви животному (художник вновь прибегает к любимому зеленому цвету, о котором мы писали выше). Здесь и животное, дарующее человеку молоко, и круговорот отношений мужчины и женщин, и круговорот быта, выраженный в перевернутых домах.

М. Шагал. «Я и деревня». 1911 г.
М. Шагал. «Я и деревня». 1911 г.

Картина «Белое распятие»

Работу «Белое распятие» художник выполнил после трагических событий Хрустальной ночи — массовых погромов еврейского народа в 1938 году. Шагал не ставил своей целью создать документальное полотно, но наполнил его множеством символов, отражающих тяжесть положения евреев того времени. Сам еврейский народ он изобразил в виде распятого человека, так как глубоко переживал те гонения, которым он подвергался. Позади был 1933 год, когда нацисты публично уничтожали картины Шагала, назвав их дегенеративным искусством. А впереди еврейский народ ожидал страшный и ни с чем не сравнимый по своей жестокости холокост.

В картине смешалось все: поджоги, преследования, уничтожение всех еврейских святынь, страдания… Однако надежда на спасение даже в этих тяжелых условиях остается. Зритель может почувствовать ее в широком белом луче света, озаряющем распятую фигуру. Она сквозит и в переполненной людьми лодке, и в человеке, спасающем священные свитки, и в фигуре путешественника с мешком на плечах — пророке Ильи. Папа римский Франциск называет эту картину любимой и считает ее шедевром такого уровня, на котором человечеству еще не приходилось находиться.

Марк Шагал «Белое распятие». 1938 г.
Марк Шагал «Белое распятие». 1938 г.

Картина «Автопортрет с семью пальцами»

В 1912 году Шагал смог позволить себе переехать в знаменитый французский дом под названием «Улей», где буквально роились квартиры и мастерские живописцев. Именно здесь он написал колоритную картину «Автопортрет с семью пальцами», вобравшую в себя все его переживания и представления о своей жизни. Как и во многих других его произведениях, здесь нет какого-то одного стиля или темы, а есть множество приемов, образов и символов. Так, при построении картины художник использует как кубизм, раскладывая фигуры на составляющие, так и реализм. Хотя его сложно узнать в представленном образе, все же черты сходства просматриваются: кудрявые волосы, прямой нос и все атрибуты его жизни во французском обществе (яркий костюм с бабочкой) и студия с видами Парижа.

Если внимательно присмотреться к холсту, то в нем можно увидеть множество символов. Так, находясь во Франции под влиянием французской живописи, художник по-прежнему поглощен близкими ему сельскими сюжетами, все так же мыслями находится в родном Витебске (что изображено в виде облака над холстом), хотя за окном прекрасные виды Парижа. Возможно, мастер случайно изобразил мольберт и кисточки в виде скрипки со струнами, однако это может быть еще один неизменный атрибут многих его работ. Не менее загадочна на картине и его рука с семью пальцами. Эта цифра была любимой для художника, она же несколько раз повторяется в дате его рождения.

М. Шагал. «Автопортрет с семью пальцами». 1912-1913 гг.
М. Шагал. «Автопортрет с семью пальцами». 1912-1913 гг.

Самые дорогие картины Шагала

На международных аукционах работы Шагала пользуются большим спросом. За последние двадцать лет с 2000 года было продано 8085 полотен художника на общую сумму 1,2 миллиарда рублей, что существенно превосходит обороты других русских художников за этот же период. Сравниться с ним может только Марк Ротко, картины которого были проданы с аукционов на общую сумму 1,45 млрд рублей. Посмотрим несколько примеров самых дорогих уходов работ Шагала.

На сегодняшний день самой дорогой его картиной считается работа «Влюбленные» как раз из серии произведений о влюбленных. На холсте мы видим чувственные объятия самого художника и его жены, а также излюбленные приемы Шагала пересекать одно пространство совершенно другим. Изначально картину выставили на торги Sotheby’s в 2017 году по стоимости 12-18 миллионов долларов, что соответствовало самым дорогим уходам других его работ. Однако этот порог не только не отпугнул желающих коллекционеров, но и был превышен вдвое. В результате итоговая стоимость продажи составила 28,45 млн долларов.

М.З. Шагал. «Влюбленные». 1928 г.
М.З. Шагал. «Влюбленные». 1928 г.

В 2017 году помимо «Влюбленных» с молотка ушел и «Большой цирк». Художник нередко обращался к теме цирка, и эта работа является ярким представителем цирковой серии. В ней мы видим характерные для Шагала приемы совмещения на одной сцене разных артистов, большое разнообразие цветов, их контраст, слияние реалистичных и сказочных образов и вид на сцену сверху. Впервые полотно выставили на торгах Sotheby`s в 2007 году и продали за 12 миллионов долларов, однако через десять лет оно ушло с молотка уже за 16 миллионов долларов.

М.З. Шагал. «Большой цирк». 1956 г.
М.З. Шагал. «Большой цирк». 1956 г.

Еще одним произведением Шагала, преодолевшим порог в десять миллионов долларов, стала картина «Юбилей». Она посвящена все той же тематике влюбленных, все той же легкости и воздушности отношений, но теперь уже перенесенных в домашнюю обстановку. Когда наступил день рождения Марка (первый после их с Беллой встречи), Белла примчалась к нему через весь пылающий зноем город, нарвала ему букет и украсила комнату своими цветными платками. Художник просто оторопел и кинулся к холсту, чтобы передать охватившее его чувство. Тесная комнатка, стены, из которых хочется вырваться на волю и кружиться вместе в безудержном танце любви! Картину по достоинству оценили потомки и приобрели ее на Sotheby`s за 14,8 млн долларов.

М. Шагал. «Юбилей». 1923 г.
М. Шагал. «Юбилей». 1923 г.

Мы рассмотрели только наиболее значительные картины Марка Шагала, причем и этот список можно пополнить многие другими удивительными работами. Художник-авангардист не желал втискивать свое видение мира в узкие рамки традиционных школ живописи, поэтому его наследие сегодня не перестает покорять и вдохновлять зрителей всех возрастов. И это одна из причин, по которой сегодня Шагал входит в Топ-10 самых дорогих русских художников.


Свежие записи

Кузьма Сергеевич относится к числу тех активистов, которые реорганизовали систему художественного образования в России. Он преподавал в ряде художественных мастерских, состоял в обществах «Четыре искусства» и «Мир искусства», и с 1932 по 1937 годы работал председателем ЛОССХ

С давних пор люди выбирали разные объекты и темы для изображения: людей, животных, целые исторические сцены, виды кораблей и другое. На основании этого деления в живописи выделилось несколько жанров

Константин Коровин относится к числу смелых художников, которые решительно пошли против устоев общества, не боясь быть осмеянными и отвергнутыми. Его импрессионистские полотна казались странными в России и были высоко оценены далеко не сразу

Вы владелец антикварного салона?

Откройте свой магазин на антикварной площадке онлайн

Мы используем технологию cookies чтобы сделать наш сайт лучше и удобнее. Понятно